Ο Μάιλς Ντέιβις, ο αρχιτέκτονας του πιο επιτυχημένου άλμπουμ τζαζ όλων των εποχών, του “Kind of Blue” του 1959, αποτελεί μια κορυφαία μορφή στην ιστορία του είδους. Με τον διαπεραστικό του ήχο, την έμφυτη μελωδική του αντίληψη και την αδιαπραγμάτευτη προσέγγισή του επί σκηνής, ο Ντέιβις διέγραψε μια καριέρα πέντε δεκαετιών, πρωτοστατώντας σε αμέτρητες στιλιστικές αλλαγές: από το bebop στο “cool” jazz, στο modal jazz, στην ηλεκτρονική fusion, στο jazz funk, ακόμη και στο hip-hop. Πάντα αναζητώντας νέα ταλέντα, μετέτρεψε τις μπάντες του σε φυτώρια για ανερχόμενους καλλιτέχνες, δίνοντας πρώιμες ευκαιρίες σε πιανίστες όπως οι Herbie Hancock, Chick Corea και Keith Jarrett, σαξοφωνίστες όπως οι Sonny Rollins, John Coltrane και Wayne Shorter, και ντράμερς όπως οι Tony Williams και Jack DeJohnette.

Με το 2026 να σηματοδοτεί την εκατονταετία από τη γέννηση του Ντέιβις, ζητήσαμε από αρκετούς από τους εν ζωή συνεργάτες του να επιλέξουν τις σπουδαιότερες ηχογραφήσεις του και να συζητήσουν τη διαρκή του επιρροή. Ανάμεσά τους, ο 95χρονος Sonny Rollins, ο οποίος έπαιξε με τον Ντέιβις τη δεκαετία του ’50, ο κιθαρίστας John Scofield και ο σαξοφωνίστας Bill Evans, που συνεργάστηκαν με τον Ντέιβις στις fusion μπάντες του της δεκαετίας του ’80, καθώς και αρκετά σύγχρονα αστέρια της τζαζ.

Ο Sonny Rollins θυμάται: «Ξέραμε ότι με τον Miles έπρεπε να προσέχεις κάθε σου νότα!» Ο Rollins περιγράφει τη γνωριμία του με τον Ντέιβις ως νέος άνδρας, την ανάπτυξη μιας στενής φιλίας και το πώς ο Ντέιβις τον βάφτισε «Newk», από τον αθλητή Don Newcombe. Υπογραμμίζει την αφοσίωση του Ντέιβις στη μουσική και την αυστηρή πειθαρχία στις πρόβες. «Όταν παίζαμε μαζί, κάναμε πρόβες ώρες ατελείωτες, και παρόλο που όλοι στην μπάντα του τον αγαπούσαν και τον θαύμαζαν, ξέραμε ότι όταν έπαιζες με τον Miles, καλύτερα να μην έκανες κανένα λάθος! Άκουγε κάθε νότα που έπαιζε ο καθένας, και όλοι πήραμε κάτι διαφορετικό από τη σοφία του. Δεν ήθελε να μοιάζει με τους άλλους αρχηγούς συγκροτημάτων και δεν ήθελε να κοιτάζει πίσω. Η μουσική του έχει έναν χαρακτήρα που είναι ο ήχος αυτής της συνεχούς αλλαγής». Από τις συνθέσεις του, ο Rollins ξεχωρίζει το “Four”, που ηχογραφήθηκε νωρίς στην καριέρα του Ντέιβις με ένα σπουδαίο κουαρτέτο. «Είναι μια σύνθεση που έθεσε τα θεμέλια για την τζαζ που ακολούθησε, καθώς ξεκίνησε την τάση για κομμάτια με παρόμοιο τέμπο και δομή 32 μέτρων. Ήταν από τα πρώτα κομμάτια που απέκτησαν την ατμόσφαιρα και την τόλμη για την οποία έγινε γνωστός ο Miles. Ήταν πραγματικά ένας από τους καλύτερους ανθρώπους στην τζαζ και μου έμαθε τόσα πολλά. Ακόμα τον ακούω σε πολλούς νέους σήμερα – παίζουν σαν τον Miles αν μπορούν».

Ο Terence Blanchard αναφέρει: «Δεν υποκλίθηκε στην ιστορία της τζαζ» Ο Blanchard επισημαίνει ότι ο Ντέιβις δεν έπαιζε την τρομπέτα σαν τρομπέτα, αλλά παρήγαγε έναν προσωπικό ήχο. «Εστίαζε στην μελωδία και τη φρασεολογία παρά στο να παίζει γρήγορες νότες για να επιδείξει την τεχνική του, και πάντα έπαιζε τη στιγμή, καθώς αυτό που συνέβαινε εκείνη τη στιγμή στη μουσική καθόριζε τι εξέφραζε μέσω του κέρατού του. Αυτό είναι τελικά που έχει κρατήσει όλη του τη μουσική φρέσκια». Θυμάται το πρώτο του δίσκο τζαζ, το live άλμπουμ “Four & More” του Miles Davis, και πώς τον εντυπωσίασε η διαφορετικότητά του, ιδιαίτερα σε σχέση με τους bebop τρομπετίστες. «Προερχόταν από την ιστορία της μουσικής, αλλά δεν υποκλίθηκε σε αυτήν – ήταν η πρώτη μου ένδειξη ότι η τζαζ δεν πρέπει ποτέ να παραμένει στάσιμη, πρέπει πάντα να εξελίσσεται». Περιγράφει τη συνάντησή του με τον Ντέιβις στην Ιταλία, τη συγκίνηση που ένιωσε όταν τον αναγνώρισε και τη συμβουλή του: «Terreeeeence, συνέχισε να κάνεις αυτό που κάνεις, motherfucker». Τέλος, τονίζει ότι ο καλύτερος τρόπος να τιμήσει τον Ντέιβις είναι να παίζει όπως ο ίδιος, κάτι που έκανε πάντα ο Ντέιβις: «Ήταν τόσο ατρόμητος».

Ο John Scofield τονίζει: «Μερικές φορές σε έπαιρνε τηλέφωνο την επόμενη μέρα για να μιλήσουμε για το παίξιμό σου» Ο Scofield, ο οποίος εντάχθηκε στο συγκρότημα του Ντέιβις στις αρχές της δεκαετίας του ’80, μιλάει για την τιμή του να μαθαίνει από αυτόν. «Του άρεσε να συζητάμε όλους τους τρόπους με τους οποίους μπορούσαμε να παίξουμε τζαζ ή τις νοοτροπίες που μας επέτρεπαν να αυτοσχεδιάσουμε και να δημιουργήσουμε μαγεία απλά αφήνοντας τα πράγματα να γίνουν. Το κύριο δίδαγμα από τον Miles ήταν να παρατηρήσω πώς έπαιζε με τη μπάντα και πόσο σφοδρός ηγέτης ήταν. Ηχογραφούσε κάθε συναυλία που δίναμε και μερικές φορές σε έπαιρνε τηλέφωνο την επόμενη μέρα για να μιλήσουμε για το παίξιμό σου – μας οδηγούσε όλους ατρόμητα». «Το groove και ο ρυθμός του ήταν τέλειοι, μπορούσε να παίξει ρυθμική τζαζ τόσο καλά και ήταν σπουδαίος στο να γνωρίζει ακριβώς πού να τοποθετήσει κάθε νότα. Πάντα μας μιλούσε για να αφήνουμε χώρο στη μουσική να “δέσει”, να αναπνεύσει και να προχωρήσει στα σόλο μας. Όταν τον ακούω τώρα, η μουσική του δεν ακούγεται ποτέ παλιά».

Η Melissa Aldana δηλώνει: «Ακούς μια νότα και ξέρεις ότι είναι αυτός» Η Aldana εκφράζει την αγάπη της για το “So What”, χαρακτηρίζοντάς το «μια ιδιοφυής σύνθεση επειδή βασίζεται μόνο σε δύο μινόρε συγχορδίες». «Ως μουσικοί τζαζ, έχουμε παίξει όλοι το So What εδώ και χρόνια και είναι ένα από τα πιο δύσκολα κομμάτια να παιχτεί αποτελεσματικά, επειδή υπάρχουν τόσες πολλές δυνατότητες πάνω από αυτές τις συγχορδίες και πρέπει να επιλέξεις προς ποια κατεύθυνση θα πας. Έθεσε τον τόνο για τη μοντέρνα τζαζ δημιουργώντας μια τέτοια αίσθηση χώρου και σιωπής στον ήχο του». «Όταν ακούς τα σπουδαία κουαρτέτα του, ειδικά με τον Wayne Shorter, μπορείς να ακούσεις πώς επιτρέπει στους ανθρώπους να εκφραστούν χωρίς φόβο του αγνώστου – έχουν όλοι μια συγκεκριμένη τηλεπάθεια και χρειάζεται ένας αληθινός ηγέτης για να την αναδείξει. Δεν υπάρχει εγωισμός στη μουσική παρά τον ισχυρό χαρακτήρα του Miles. Όλοι είναι επενδεδυμένοι στην ευρύτερη εικόνα του πώς αφηγούνται την ιστορία της μουσικής μαζί». «Επίσης, ακούς μια νότα και ξέρεις ότι είναι ο Miles. Δεν μπορείς να παίξεις έτσι και να μην είσαι πνευματικός, πρέπει να είσαι σε επαφή με κάτι ανώτερο για να έχεις αυτόν τον ήχο».

Ο Jay Phelps σχολιάζει: «Το να είσαι σούπερ σταρ σε αυτό το περιβάλλον σήμαινε ότι δεν ήταν πάντα ο πιο ευγενικός» Ο Phelps αναφέρεται στην αντίληψη ότι ο Ντέιβις δεν είχε την ίδια τεχνική αρτιότητα με άλλους παίκτες, αλλά υπερασπίζεται τη θέση του με την ηχογράφηση του “Lady Bird” από το 1951. «Κατά τα πρώτα αυτά χρόνια, μπορείς να ακούσεις καθαρά ότι έφτασε σε ένα επίπεδο τεχνικής αριστείας και βρήκε τον ήχο του εντός του bebop για να παίζει γρήγορα και ψηλά, και τελικά, καθώς η τέχνη του προχώρησε, επέλεξε να μην συνεχίσει με αυτόν τον ήχο. Είναι σαν τον Πικάσο που μπορούσε να ζωγραφίσει και να σχεδιάσει άριστα πριν ακολουθήσει έναν άλλο δρόμο». «Ο Miles είναι ένας από τους πρώτους μουσικούς που χρησιμοποίησε την τρομπέτα όχι μόνο για την staccato ευκρίνειά της, αλλά ως μελωδικό αηδόνι. Έδειξε σε τρομπετίστες σαν εμένα ότι μπορούσαμε να κατεβούμε αντί να ανεβαίνουμε για να βρούμε μια όμορφη ποιότητα που κρύβεται στο όργανο. Όσο περισσότερο μεταγράφω το έργο του στην προχωρημένη ηλικία μου, τόσο πιο εμφανείς γίνονται οι ιδιοσυγκρασιακές λεπτομέρειες του παιξίματός του. Συνειδητοποιείς πόσο πρωταρχική είναι η μελωδία γι’ αυτόν και πόσο χρόνο δίνει για να αφομοιώσει αυτό που έχει παίξει, αντί να παίζει εκατομμύρια νότες όλη την ώρα. Είναι ένας βαθύς στοχαστής». Σχετικά με την εμπειρία του παίζοντας δίπλα σε έναν φανταστικό Μάιλς Ντέιβις στην παράσταση “Miles.”, αναφέρει: «Μπορώ να τον καταλάβω περισσότερο, και τη ζωή του. Μπορώ να εκτιμήσω την ώθηση που είχε για να ξεπεράσει τις φυλετικές εντάσεις της εποχής που ζούσε. Το να γίνεις σούπερ σταρ σε αυτό το περιβάλλον είναι τόσο σπάνιο και σημαίνει ότι δεν ήταν πάντα ο πιο ευγενικός τύπος. Ωστόσο, η μουσική του ακούγεται πάντα τόσο ζεστή και ανθρώπινη».

Ο Bill Evans δηλώνει: «Μου έμαθε να εμπιστεύομαι τα ένστικτά μου» Ο Evans αναφέρει ότι ο Ντέιβις είχε έναν τρόπο να γράφει ένα τραγούδι ή να συγκροτεί μια μπάντα που έμοιαζε σαν να έπαιζε για ένα μόνο άτομο, ήταν πολύ προσωπικό και αυτό είναι κάτι που προσπαθεί να μιμηθεί. «Κατέληξα στην μπάντα του, αφού ο σαξοφωνίστας του Dave Liebman με πρότεινε και μετά πρότεινα εγώ τον [μπασίστα] Marcus Miller, τον [κιθαρίστα] Mike Stern και τον John Scofield. Μου έμαθε να εμπιστεύομαι πάντα τα ένστικτά μου και να παίζω τη μουσική που με εμπνέει να παίζω και να γράφω. Μου είπε: “Εσύ, Wayne Shorter, Herbie Hancock – δεν ανησυχώ για εσάς. Θα υπάρχει πάντα μια θέση στη μουσική για εσάς. Να είστε ο εαυτός σας.”» «Οι άνθρωποι αγαπούν τα είδωλα και ο Miles ήταν ένας φυσικός ηγέτης, ήταν χαρισματικός και βοήθησε να αλλάξει τον ήχο της τρομπέτας. Ακόμα κι αν υπήρχαν περισσότεροι τρομπετίστες με καλύτερη τεχνική, ο Miles είχε τον δικό του ήχο». «Δεν βλέπω τον Miles Davis ως συνθέτη, αλλά ως παραγωγό ή μαέστρο. Είναι ένας σπουδαίος τρομπετίστας, αλλά είναι και ένας τύπος που αγαπά το θέαμα και την αλλαγή του εαυτού του και της μπάντας του πλήρως με κάθε νέα εποχή. Πάντα έμοιαζε και μιλούσε σαν τα άλμπουμ του και ήταν δύσκολο να πεις πού τελείωνε η τέχνη και πού άρχιζε αυτός, αφού ήταν όλα ένα. Λατρεύω την ύστερη περίοδό του της δεκαετίας του ’80, όταν φοράει δέρμα, αγκαλιάζει τα ηλεκτρονικά, τα backbeats και το hip-hop, και δίνει την πλατφόρμα του σε μια άλλη γενιά». «Αυτό που αγαπώ στον Miles είναι το ίδιο πράγμα που αγαπώ στον Dizzy Gillespie, στη Joni Mitchell ή στην Björk, είναι ότι αναρωτιούνται καθημερινά αν είναι το ίδιο άτομο με χθες. Αυτή η συνεχής αμφισβήτηση είναι σημαντική και είναι αυτό που προσπαθώ να εφαρμόσω και στον εαυτό μου». «Έχω παίξει με πολλά μέλη των συγκροτημάτων του Miles με τα χρόνια, από τον Jack DeJohnette μέχρι τον Dave Holland, τον Wayne Shorter, τον Herbie Hancock και τον Ron Carter, και όλοι είναι ενεργά επενδεδυμένοι στη νεολαία και τη συνέχιση της μουσικής. Δεν παίζουν μόνο με τους συνομηλίκους τους, έχουν συνεχή δέσμευση να μεταδώσουν αυτή τη μουσική και αλλάζουν διαρκώς. Αυτή είναι η κληρονομιά του Miles για μένα, να συνεχίζω να κινούμαι και να ανατρέπω τα πάντα αν χρειαστεί».

Η Yazz Ahmed δηλώνει: «Οι φοιτητές τζαζ εξακολουθούν να τον σέβονται» Η Ahmed δηλώνει ότι αγαπά τον δίσκο “Live-Evil” του Miles, καθώς είναι ένας απίστευτος συνδυασμός ζωντανών κομματιών και στούντιο συνθέσεων που έχουν επεξεργαστεί. «Είναι τόσο μπροστά από την εποχή του και το πρώτο κομμάτι του άλμπουμ, το “Sivad”, είναι μια απίστευτη εισαγωγή που συνοψίζει τι πρόκειται να ακολουθήσει. Ο ρυθμός και η φρασεολογία της εισαγωγικής γραμμής του Miles στο κομμάτι θυμίζουν το πρώιμο hip-hop, λίγα χρόνια πριν καν το hip-hop γίνει ευρέως γνωστό, ενώ ολόκληρο το άλμπουμ είναι επίσης πραγματικά εμπνευσμένο από τον Jimi Hendrix και έτσι σε αυτήν την πρώτη φράση χρησιμοποιεί ένα wah-wah πετάλι για να ακούγεται σαν κιθάρα. Υπάρχει μια συναρπαστική και όμορφη αντίθεση όπου αφαιρεί το πετάλι και ακούς τον φυσικό του ήχο – είναι σχεδόν σοκαριστικό. Το δεύτερο μέρος προέρχεται από ένα ριφ πιάνου του Keith Jarrett και στη συνέχεια υπάρχει μια βίαιη στούντιο επεξεργασία που οδηγεί σε ένα μπαλάντα-σαν κομμάτι, κάτι που είναι ξανά μια τέτοια έκπληξη». «Το μελωδικό παιχνίδι του Miles είναι τόσο διακριτικό, καθώς είναι ένας τόσο σπουδαίος, αυθόρμητος συνθέτης: είναι πραγματική δεξιότητα να παίζεις μελωδικές συνθέσεις επί τόπου. Όποτε διδάσκω φοιτητές τζαζ, υπάρχει ακόμα σεβασμός για τον Miles και γνωρίζουν πολύ καλά το Kind of Blue – μπορούν να τραγουδήσουν όλα τα σόλο του πάνω σε αυτό».

Ο Brandon Woody αναφέρει: «Η ένταση δεν είναι στον όγκο. Είναι στην πρόθεση» Ο Woody εκφράζει την αγάπη του για το “Sorcerer”, ένα άλμπουμ από το δεύτερο μεγάλο κουιντέτο του Miles, που παρήγαγε μερικά από τα αγαπημένα του μουσικά κομμάτια. «Μου αρέσει ο τρόπος που έπαιζε εκείνη η ομάδα και παρόλο που ο Herbie Hancock έγραψε το κομμάτι The Sorcerer, ο Miles του δίνει τόση ζωή στη σύνθεση επειδή η ομάδα ήταν τόσο δεμένη και ευάλωτη μεταξύ της μετά από τόσο χρόνο περιοδείας και παιχνιδιού μαζί. Μου αρέσει ο τρόπος που η μελωδία μοιάζει με μάγο ή φίδι που κινείται συνεχώς – είναι τόσο συνδεδεμένη με την ενέργεια του τραγουδιού». «Υπάρχει τόση πίστη σε κάθε νότα που παίζει ο Miles. Η ένταση δεν είναι στον όγκο του ήχου, είναι στην πρόθεση πίσω από αυτόν. Είμαι 27χρονος μουσικός και αυτό είναι κάτι που πολλοί από εμάς τους νέους έπρεπε να μάθουμε νωρίς. Ο Miles άφηνε χώρο για την ρυθμική ενότητα να τον υποστηρίξει και επέτρεπε πραγματικά στη μπάντα να πετάξει. Ο ήχος του προέρχεται από την ομάδα, ποτέ από το άτομο». «Κανείς άλλος δεν κάλυψε τόσα πολλά είδη όπως ο Miles, και οι ομάδες του ήταν πάντα διαγενεακές – διατηρούσε τον παλμό αυτού που ήταν σχετικό. Ακόμα και στο τέλος της ζωής του, η τεχνική του δεν ήταν η καλύτερη, αλλά η μουσική του δεν υπέφερε γι’ αυτό: ο ήχος και η αυτοπεποίθησή του είναι παρόντα σε κάθε νότα». Η παράσταση “Miles.” παίζεται στο Southwark Playhouse του Λονδίνου, από 4 Φεβρουαρίου έως 7 Μαρτίου.